我想，畫作是最能詮釋生活的事物了。

我喜歡畫，尤其是莫奈的。四季垂柳和睡蓮，仿佛能攝了人的魂魄。他的筆下，畫作不再是簡單的畫作，而是有了魔力般的在訴說，告訴你一個個故事。

美其實是記憶的堅持與永續，記憶不可抹殺，記憶能一點一滴累積就是美。

莫奈的那些畫作，從最初的風景寫實到最后的朦朧抽象，就是一個美的積累過程。

在畫作里，畫家將其一生的情感、生活、思想都涂上了色彩。你用肉眼相看，怎能看到靈魂？將畫作放在它的整個大的時代背景下去看，也許能略懂一二。

很多人看畫，覺得不怎么樣的畫卻能拍出天價，對于畫家一生中的眾多畫作中，為什么單單幾幅有名。其實看畫不是看畫本身，而是看它背后的含義。它代表的畫家的某一個階段，或是開創了某一個流派，這些賦予給畫作的價值要大于畫作本身。《日出印象》就是例證，雖然是在落選展中展出，可它更大的意義上是革新派對保守派的挑戰。西方一直到印象派畫家出現，才重新調整人在自然里的主體性地位。

奧塞美術館是保存莫奈畫作最多的美術館。這座由奧塞火車站改造而來的美術館曾多次出現在莫奈的筆下。莫奈的作品中有七幅《圣拉扎爾火車站》，這一系列畫作的精彩之處在于，是用處理教堂的方式來描繪火車站，在這些畫中，你能看到神圣的莊嚴，即使它是人來人往的火車站。

在莫奈看來，光是色彩的魂魄。

莫奈的美學是光的信仰，也是生命的信仰。他的世界是明亮的，洋溢著幸福愉悅的光彩。他的畫作是溫暖的，透露出人性的輝芒。即使是最悲哀的《卡密兒之死》，也是用淡紫藍來詮釋愛與不舍。他最重要的風格是改變了陰影和輪廓線的畫法，在莫奈的畫作中看不到非常明確的陰影，也看不到突顯或平涂式的輪廓線。你看到的，是光的跳躍，是愛的傳遞。

人生總有貴人助，莫奈的貴人，也許是布丹、戎金、馬奈和也的妻子卡密兒了。

布丹是帶領莫奈到戶外觀察自然光的人；戎金是打開莫奈眼睛的人，告訴他戶外寫生的意義；馬奈的《草地野餐》讓莫奈看到了他想要表現的主題，莫奈直接用馬奈用過的“草地午餐”之名來創作的畫作至少有兩幅，可惜那時的莫奈還默默無名且拮據不堪，畫作經常被他拿來抵房租，結果房東完全沒有意識到他堆在地下室霉變的是多么昂貴的珍寶，以至于現在莫奈的草地野餐系列很少有完整的整幅畫作，而大多是被割列開來出售的；最后一個對莫奈的創作影響重大的是他的第一任妻子卡密兒，也是他的模特，卡密兒出現在了他的一系列畫作中，我們更容易在畫中看到她對畫家的愛，安靜深沉，不喧嘩，充滿內心的愛與包容。

莫奈會經常在一段時間內專注一個主題，反復觀察創作，長達數年。第一個不斷創作的主題是1865年的“圣亞德斯海灘”；之后的1875年的《撐洋傘的女人》；1877年的《圣拉扎爾火車站》；1879年的《維特伊雪景》，不得不說，維特伊風景系列筆調沉重，讓人看的透不過氣來，少了之前的輕盈明亮，是莫奈繪畫上的一個分水嶺，1879年創作了《卡密兒之死》以后，莫奈再沒有畫過人物畫，成了徹徹底底的風景畫家，也許，愛之深，再無可愛。

1890年的《干草堆》系列，共有25件，同樣大小的尺寸，同樣的主題，散落在世界各地的美術館和私人藏家之手。這個系列可以說是莫奈對生命的透悟。真正的風景也許就在身邊，如此平凡，如此單純，如此安靜，就像，暮然回首，那人卻在燈火闌柵處。

干草堆系列和之后的1891年的《楊樹》系列，1892年的《魯昂教堂》系列，重點都不是描述的事物本身，更多的是表現事物背后透過的光。在霧中搖曳生姿，在霧中隱隱若現，在霧中撲捉光的流光異彩。

蘇東坡說“欲將詩句絆余暉”。莫奈的《睡蓮》系列就是這句話的真實寫照，這是他人生中最后一個主題系列，畫了長達20年的時間，倒映水中的垂柳和白云與睡蓮交相輝映，他極力的想要畫出看到的美景。白內障帶給他幾乎全盲的視力，使之后期的畫作發生了很大的改變，畫面上常常出現濃烈鮮明的黃色與艷麗的紫色。莫奈留給世人最后的禮物是法國巴黎橘園美術館墻體上的兩幅巨作，一幅命名為“清晨”，一幅命名為“云影”。在我看來，它突破了時間與空間的限定，更像是畫作者記憶的總和，畫作是流動的，它們啟示無限，更像是作者對生命的領悟。靜坐其中，你感到的是生命的力量。

在莫奈的世界里，沒有單純的顏色，他的顏色都是一種光。因為光，所有的色彩都泛著一種瞬息萬變的明度。他用畫作向我們訴說，光是色彩的魂魄！

這是對人生的參悟。

有時候，讀懂一幅畫作，讀懂一位畫家，也許能帶給你人生的真諦。從你喜歡的畫開始，讀一讀她帶給你的感悟吧。