藝術鑒賞

在藝術鑒賞、藝術體驗和藝術創作中，藝術鑒賞是審美的基礎。鑒賞力不高，自然會影響藝術體驗的效果，也制約著藝術創作的水平。

藝術鑒賞，越來越成為當今人們日常生活的“必需品”。聽一場音樂會，看一臺戲劇，出席一個畫展，參加一次詩會，或者獨自一人在家欣賞樂曲、品鑒畫冊，這都是一種藝術的鑒別和欣賞。

作為情感的審美表達，藝術作品總會將藝術家的思想情感體現在藝術作品之中。藝術欣賞者在鑒別和欣賞過程中，品評其中的精妙，感受其中的情感與思想，陶冶情性、啟示心靈。

盡管藝術作品誕生于不同國度，不同時代，但在藝術鑒賞中，你都可以穿越時空到達藝術家創作時的審美現場，與之對話，感受著另一個新的色彩斑斕的生命世界。藝術鑒賞就是這樣的美妙與神奇。

什么是藝術鑒賞

在人教版小學六年級語文書里，選載了《呂氏春秋》中的伯牙與子期的故事，意在使小學生了解我國傳統文化中“知音”一詞的內涵。這就是一個生動的藝術鑒賞過程。

當伯牙“方鼓琴而志在泰山”時，鐘子期立刻領會到“巍巍兮若泰山”；當伯牙鼓琴“志在流水”時，子期馬上聽出“洋洋兮若流水”。伯牙高逸的藝術品格與子期超凡的藝術鑒賞力珠聯璧合，成就一段千古佳話。伯牙雖然琴藝卓絕，但是作為樵夫的子期，其高超的感悟力更是令人浮想聯翩。

狹義的藝術鑒賞，是欣賞者通過對作品藝術元素的感知、把握和想象，獲得審美享受的精神活動。當然，從廣義上說，大自然和客觀外在也會展示出一種藝術現象，如奇石異卉、獨特地貌和天文景觀等，同樣可以作為鑒賞對象而進入人的審美范疇。

藝術創作是藝術鑒賞的客觀基礎，而藝術鑒賞則是藝術創作的審美歸宿。藝術創作，必須通過鑒賞主體的審美活動，才能真正呈現它的社會意義和美學價值。據說后來子期亡故，伯牙毀琴而不復彈，可見曲高和寡、知音難覓。沒有受眾的鑒賞，孤芳自賞的意義自然是有限的。此外，藝術作品市場價值的實現、藝術收藏與經營也要借助于藝術鑒賞。

在論及藝術創作和藝術鑒賞關系時，曾有過這樣一個命題：在藝術的發源史上，到底是先有一個“創作者”，開天辟地般地創作出了一件藝術品，還是先有一個“鑒賞者”，赫然定義了一件藝術品？

這是個有些類似于“雞生蛋、蛋生雞”的問題，不一定需要確定的回答。因為每個人對此的概念和視角是不同的，因而有不同的選擇。

藝術自誕生之始，就是具有選擇性的。選擇的過程即鑒賞過程，是在一定條件下進行的。

一般而言，藝術鑒賞的發生，必須具備三個必要的條件：

一是藝術品自身具有可供審美的內涵和審美的價值。

二是鑒賞者自身具有一定藝術素養、文化知識、生活閱歷和審美能力。

中國有一句俗語說，“有眼不識金鑲玉”。沒有藝術鑒賞力，即便是上乘的藝術品，也會被視作凡物。英國《每日電訊報》2010年曾經報道過這樣一個案例：三個竊賊闖入位于馬德里南部郊區的一座倉庫，開走了停在里面的一輛貨車，車內的30余件藝術品分別出自西班牙繪畫大師巴勃羅·畢加索、哥倫比亞藝術家費爾南多·博特羅和西班牙雕塑家愛德華多·奇利達等名家。警方后來在馬德里西南的阿爾科爾孔附近地區找到這輛貨車，物品被洗劫一空。

不久，一名廢品收購商向警方報案，他以30歐元的價格收購了一件鐵塑，但懷疑出自雕塑家愛德華多·奇利達之手。經過鑒定，這件藝術品就是馬德里南郊倉庫中失竊的奇利達雕塑，估值約為80萬歐元，而在竊賊眼里，只不過是一堆廢銅爛鐵。

三是藝術品與鑒賞者的契合與共鳴。

不同的人，會有不同的藝術偏好。我認識兩個大學生朋友，都喜歡音樂，一個喜歡聽西洋音樂，一個喜歡聽古琴。兩人常常各執所愛，爭論兩種音樂的優劣。一天，國家大劇院上演歌劇《卡門》，喜愛西洋樂的同學買了票，請另一位同學一同看戲。戲未過半，那位古琴愛好者卻已沉沉入睡。

美，作為一種客觀存在，并不一定就能作為審美對象而存在，關鍵是它能否契合審美的主體。藝術范疇十分廣泛，從音樂、舞蹈、戲曲，到繪畫、書法、攝影等。即使同一種藝術形式，也有不同的種類，繪畫就分為中國畫、油畫、版畫、水彩畫、水粉畫、漆畫等；即使是中國畫，按其使用材料和表現方法，又可細分為水墨畫、重彩、工筆、寫意、白描等。一個人不可能對所有的藝術門類都發生興趣。所謂藝術鑒賞，需要鑒賞者與特定的藝術門類，甚至特定藝術品之間形成審美交流和溝通。

在藝術鑒賞過程中，鑒賞者調動自己的理念標準、生活經驗、藝術修養，通過辨析、想象和理解，對藝術形象和藝術作品進行美的“再創造”，對藝術形象和作品的意義進行“再評價”。即使面對同一件藝術品，不同的人也會有不同的理解和感受。

有一出十分有名的話劇《藝術》，舞臺上只有三個男人，憤世嫉俗的航空工程師馬克、追求時尚的皮膚科大夫塞爾吉和在干了大半輩子紡織業失業后、剛剛開始湊合著學做文具生意的伊萬，是三個在職業、年齡、性格和興趣愛好上迥然不同卻又情同手足的好友。面對一幅幾乎全白的現代派油畫，三人藝術的認知與價值觀出現裂痕。爭議、傲慢、遷怒、詆毀、拳腳相向乃至決裂。其間引發的三人感情風暴，在給觀眾帶來了笑聲和感動的同時，也帶來了某種生活哲理的啟示。

單從藝術角度而言，《藝術》再清楚不過地表現了藝術本身投射在人的主觀內心世界的多樣性和豐富性。即使面對這部名為《藝術》的話劇，也有諸多的理解。作家陳村曾這樣評述它：“如果有個心電圖一樣的儀器察看，它行進的曲線很優美，一點不造作。它撓了我們的許多癢，是生活的，也是藝術的，也是女人的，也是友誼的，也是與時間有關的?！?/p>

“一千個讀者眼里有一千個哈姆雷特”，說的就是藝術鑒賞的豐富性和復雜性。莎士比亞創造的哈姆雷特是客觀存在的，但是不同的人讀來，對哈姆雷特這個人物形象都會有不同的見解：有的人認為他是一個富有人文精神的學者，有的人認為他是一個精神病人；年輕的女子會把他視為自己的夢中情人，血性的男子為哈姆雷特的復仇而快意。

鑒賞的起點在于，莎士比亞塑造了一個豐滿、動人的獨特典型人物形象，給每一位鑒賞者提供了再創造的空間。每一個鑒賞者，在審美體驗和審美創造中，再現的既是哈姆雷特，又不是哈姆雷特。他們更多看到的往往是自我。

藝術鑒賞，讓藝術內涵豐富起來，它會因為鑒賞者的不同而產生不同的審美印象，也會因時代的不同而賦予其不同的審美內涵，正因為歷經歲月陵替和千萬鑒賞者的審美再造，一部藝術經典才能夠魅力四射，流傳久遠。

哲學家朱熹說過，物物有一太極，人人有一太極，事事有一太極，時時有一太極。他又說，月印萬川，灑在江湖，則隨處可見。

朱熹所說的明月，如果比擬為是一幅藝術品，那么對之進行的鑒賞，就是由外向內的審美“觀照”，是“萬物有我”“境隨心轉”的一種主觀投射。明月高掛，慷慨悲歌之士，大抵會吟誦“秦時明月漢時關，萬里長征人未還”；蹉跎之人，可能會以“不應有恨，何事長向別時圓”自我釋懷；熱戀之人，遐想著“月上柳梢頭，人約黃昏后”的情境；而久居他鄉的倦客，則不免發出“春風又綠江南岸，明月何時照我還”的慨嘆了。

藝術鑒賞的復雜性在于，審美再造有很大的辨識空間，因而其魅力也在于此。傳說，唐寅有一幅作品，叫《川上圖》。畫的是一個人牽驢過橋，橋下水流湍急，犟驢不肯過橋，牽驢的人用力拉扯。這幅畫在畫店出售，被人以高價訂購，約好次日取畫。

當天打烊之后，店主想弄明白這幅看上去平淡無奇的畫為什么竟然賣出高價。當他仔細觀察這幅畫后大吃一驚，牽驢者與驢之間竟然是空白——畫家“忘”畫繩子了。店主擔心買主看出破綻，反悔不買，于是，當即拿起毛筆添上了一條繩子。不料，次日買主見畫后棄之而去，且憤然不悅：“此畫妙在‘無繩之牽’，添上這么一根繩子，還有什么價值？”

中國有一句成語叫作“畫蛇添足”，雖說是人所皆知，可在藝術鑒賞中，卻不乏“畫蛇添足”之人。

生命主體如何選擇適合自身的藝術鑒賞

藝術門類豐富眾多，藝術作品千差萬別。不同的鑒賞主體，其個性特征和偏好不同，所處的生命階段不同、走過的生命歷程不同、向往的生命境界不同，其心儀的藝術對象往往也不相同。因此，如何選擇適合自己的鑒賞對象，本身也就成了一門藝術。

雖然在鑒賞上各有所好，但有幾個原則是共通的：

一是鑒賞的門類應契合自己。

鑒賞者與鑒賞對象之間必須發生一種審美關聯，才能產生從審美注意、審美體驗、審美理解到審美愉悅的過程。兩者恰如“金風玉露一相逢”，隨著鑒賞者的情感融入，最終達到“便勝卻人間無數”的境界，鑒賞由此得以升華。正是這“相逢”而“默契”的不可捉摸性，決定了審美主體一定要找到適合自己的那一個。

如果你對色彩和構圖比較敏感，你就選擇欣賞繪畫；如果你節奏感強，你就選擇音樂；如果你熱衷故事情節，你就選擇話劇或電影……在林林總總的藝術之苑中，總會有一棵或幾棵你所青睞的樹。

即使在同一門類中，也有不同的風格。比如音樂而言，有歌劇、搖滾樂、藍調、舞曲、爵士樂，等等；即使是同一流派，每個藝術家還有不同的特點；并且，同一個藝術家在不同時期會有不同的風格。總之，在藝術鑒賞的選擇上，對了，就是好的。

二是藝術鑒賞的方法應循序漸進。

比如鑒賞音樂，不要一開始就去聽復雜的古典音樂。首先聽一些簡單而容易接受的音樂作品?？梢栽谛蕾p交響音樂之初先做一些入門的訓練，比如說英國作曲家布里頓的《青少年管弦樂隊指南》①中，其間通過指揮與解說員插入講解，介紹管弦樂隊中所用的各種樂器及其特有的音色和樂隊組成，從中可以學習到有關管弦樂隊的基本知識。作為中國的欣賞者也可以先從欣賞本國作品入手，例如《金蛇狂舞》②《梁?！?span id="5warbge" class="super">③等這些具有濃郁中國特色的音樂作品；還可以欣賞一些帶有標題的音樂，如圣-桑的《動物狂歡節》④、舒曼的《夢幻曲》⑤，等等，之后，再有針對性地讀一些有關音樂知識的書籍。通過量的積累，使我們對音樂作品的形式、內容，以及音樂的旋律、節奏、和聲等方面有直觀的認識和感悟。

雖然說對于初學者而言，用不著去鉆研過深的音樂理論，但是對于作曲家的情況，作品的背景、以及交響曲、協奏曲、奏鳴曲等最基本概念最好還是要清楚。譬如說，如果你不了解西貝柳斯寫《芬蘭頌》⑥的背景，你會覺得那些壓迫感超強的不和諧音符對你來說就是一種折磨。一般知識掌握后，再逐步聽一些難度較大的曲子，就會容易接受。

即使面對同一個藝術品，也有一個逐步深化認識和理解的過程。不要指望一眼就能看得明白、透徹，要在不斷的觀賞和揣摩中把握藝術品的要旨。

黑格爾曾指出：遇到一件藝術品，我們首先看到的是它直接呈現給我們的東西，然后再追究它們的意蘊和內容。前一個因素——外在的因素——對于我們之所以有價值，并非由于它所直接呈現的；我們假定它里面還有一種內在的東西，即一種意蘊，一種灌注生氣于外在形態的意蘊。

這說的就是藝術鑒賞由外到里，由形式到內容的過程。當我們面對達·芬奇的《蒙娜麗莎》時，首先會注意到蒙娜麗莎那微妙的笑容，那是整個畫面的中心。但是，進一步觀看，就會發現那優美的雙手和背景中靜默的山水，都同她的微笑相協調、相呼應，進而會感受到整個畫面所流露出的自然、優雅的氣息。我們將蒙娜麗莎的微笑與畫家所處的時代聯系在一起，就會逐步理解達·芬奇所描繪的蒙娜麗莎實際上代表了人的仁愛和尊嚴。這正是達·芬奇人文主義思想的體現，是作品“永恒的微笑”的魅力。

我對《蒙娜麗莎》的鑒賞，就經歷了一個逐步認識、不斷深化的過程。我雖然了解這幅曠世杰作在宣揚人文主義和反對神權至上方面的歷史性作用，但是，從藝術技巧來說，開始我并沒有認識到它的絕妙之處。我感到人物形象不夠美，并且后景有些雜亂。

直到那一天，我在盧浮宮面對原作時，我才真正領會到這幅作品整體的和諧感以及蒙娜麗莎令人震撼的表現力。這幅名作比我想象的要小得很多。但是，你在很遠的地方就能感受到它涌動的氣場，以及它四射的光芒。畫中的蒙娜麗莎是那么栩栩如生，在夢幻般的背景中是那么神秘莫測！她的微笑似乎帶有一絲嘲諷的意味，直透我的心底，仿佛在鄙夷我的淺薄無知。站在這幅絕世經典前面，我真是無地自容。

三是鑒賞應融入生活之中。藝術鑒賞的途徑有很多，你可以到音樂廳、展覽館、大劇院進行專門的鑒賞，也可以購買書籍、光碟、畫冊在日常生活中閱讀欣賞，還可以利用網絡進行藝術鑒賞。當然，也可以幾種途徑兼而有之。

作為一個普通愛好者，在有條件的情況下，能多進行一些專門性的藝術鑒賞，當然很好，但更重要的，是盡可能把藝術鑒賞融入日常生活之中，成為一種生活方式，把讀書、聽音樂、欣賞藝術品等作為每日人生活動的有機組成部分，甚至是不可或缺的要素。這樣，藝術鑒賞就成為一種生命狀態了。這看起來似乎很普通尋常，實際上已達到藝術鑒賞的上乘境界。

木心說：“一個藝術家，人生看透了，人生成熟了，還有什么為人生，為藝術？都是人生，都是藝術?！彼囆g家如斯，普通人亦如是。這即是藝術地活著。

進入這種生命狀態后，你會發現藝術之美，包孕著你的生命，存在于你的身邊，你會發現，藝術鑒賞并不限于藝術品，你身邊的普通物件、周邊的景物，皆可鑒之、賞之、美之、樂之。

我在浙江工作期間，住地毗鄰西湖，繁忙之余，在西湖邊散散步，沉浸在詩情畫意般的自然美景中，真是一種難得的藝術享受。

如詩人所言，西湖之美，是“濃妝淡抹總相宜”的，不論是春天的“西湖春色歸，春水綠于染”，還是夏日的“接天蓮葉無窮碧，映日荷花別樣紅”，或是秋意盎然的“岸沙全借白，山木半含清”，以至于瑟瑟冬日的“山影淺中留瓦礫，日光寒外送漣漪”，都令人印象深刻；此外，還有“晴西湖”“雨西湖”“霧西湖”“雪西湖”之謂，景色不同，風韻無限，凡此種種，真是“處處回頭盡堪念，就中難別是湖邊”“未能拋得杭州去，一半勾留是此湖”。

用心體會“身邊的藝術”，始終是我放松心靈、品味人生的一種途徑。由此我想，對每個人而言，從身邊之物開始，擇便而從，融入生活，開啟你的藝術鑒賞之旅，總是最方便、最有效也最值得提倡的吧。

如何提高藝術鑒賞能力

著名藝術社會學家豪澤爾曾指出：“人可以生來就是藝術家，但要成為鑒賞家卻必須經過教育?！?/p>

不可否認，每一個人都有潛在的藝術細胞，對藝術有一定的鑒別和欣賞能力，但不同的人因為學識水平、人生閱歷、理解能力、想象能力的差異，有的人僅僅停留在對藝術作品簡單認知上，有的人則可以感悟到藝術作品的生命指向和審美本質。羅丹說過：“所謂人師，就是這樣的人，他們用自己的眼睛去看別人見過的東西，在別人司空見慣的東西上能夠發現出美來。”

那么，如何提高藝術鑒賞力呢？

俗話說：“外行看熱鬧，內行看門道?！碧岣咚囆g鑒賞能力，需要讓自己盡可能內行一些，要掌握一定的藝術基本知識。

比如說欣賞中國畫。中國畫的書寫線條的方法被稱為“用筆”，中國畫用水墨的方法，被稱為“用墨”。傳統中國畫的筆法，講究意在筆先，胸有成竹再下筆，而且要求筆筆到位。墨法，濃淡枯濕，隨意運之。俗語說，“墨分五彩”，就是指其表現的豐富性。利用水的作用，以濃、淡、干、濕、深、淺的不同，體現出變化。其中宿墨的運用，相對更難一些，但如果用得好，內涵更豐厚。

即使是創新，也脫不了這樣的基礎。吳冠中先生游走于油彩和水墨之間，互相借鑒、移植。循著“移花接木”的寫生方法，借水墨酣暢淋漓的運筆，創造了中國畫的新意境。如他的《走近荷塘》，運用隨意流暢的筆觸，橫向排列出幾大色塊，幾筆暗紅色象征著荷花、淺綠色象征著荷葉、大片的黑色代表倒影、白色又仿佛是水中的天光，畫面沒有一筆具體的描繪，但相融一起，那些原來生冷的筆觸此刻又是那么靈動，光影搖曳，栩栩如生。只有對油彩和水墨的技法有所了解，才能真正理解吳冠中不同于傳統的高明之處。

如果你有更深的意趣，還可以長期跟蹤了解某一重要流派、某一個重要藝術家的動向。就繪畫而言，可以看書畫專集、藝術專業期刊、畫展、拍賣預展，對所喜愛的書畫名家的不同時期作品的不同風格、所用紙質、印章、款識和用筆用墨等特點進行研究，并與其他書畫家比較并了解其異同點，從中提高自己的藝術鑒賞能力。正是因為如此，有許多愛好者最終成了專家。

藝術鑒賞不是單純的形式欣賞，更重要的是把握藝術作品所體現的思想情懷和審美內涵，有些藝術作品具有深刻的社會背景，甚至反映了重大的社會事件。從一定意義上講，文化修養的高低，直接影響著藝術鑒賞的水平。

被稱為北宋四大家之一的米芾認為，真正的鑒賞家對藝術品是真心喜愛，并且秉持嚴肅的態度考證求索，有些鑒賞家本人就是藝術家；而有些鑒賞收藏只不過是有錢人的附庸風雅，其鑒藏的所謂“珍秘”，往往只不過是貽笑大方的贗品。他的原話為：“鑒賞家謂其篤好，遍閱記錄，又復心得，或自能畫，故所收皆精品；近世人或有貲力，元非酷好，意作標韻，至假耳目于人，此謂之好事者。置錦囊玉軸以為珍秘，開之或笑倒?！泵总浪I諷的現象，今天屢見不鮮。

畢加索的壁畫《格爾尼卡》，作于20世紀30年代。畫中右邊有一個婦女舉手從著火的屋上掉下來，另一個婦女拖著畸形的腿沖向畫中心；左邊一個母親與她已死的孩子；地上有一個戰士的尸體，他一只斷了的手上握著斷劍，劍旁是一朵正在生長著的鮮花。畫家把具象的手法與立體主義的手法相結合，并借助幾何線的組合。

此畫創作的背景是，1937年4月26日，發生了德國空軍轟炸西班牙北部巴克斯重鎮格爾尼卡的事件。德軍三個小時的轟炸，炸死炸傷了很多平民百姓，格爾尼卡被夷為平地。畢加索在畫這幅畫時說：我清楚地表明了對那些把西班牙沉浸在痛苦與死亡的海洋中的好戰集團的厭惡和鄙視。以此來揭露法西斯的罪行。

如果你不了解那一個時期世界的歷史，和格爾尼卡遭轟炸的背景，就讀不懂這幅名作。

想象力是藝術的翅膀，也是鑒賞的翅膀。通過聯想和想象，才能真正進入審美體驗，實現審美升華。

德彪西的代表作、素有“交響素描”美稱的《大海》①，作品共三個樂章。第一樂章，“從拂曉到中午的?！?，舒緩平和，猶如平靜海面，在晨霧間若隱若現；第二樂章叫作“嬉戲的浪花”，情緒開始變得輕松歡快，表現的正是大海的歡騰雀躍、浪花翻涌如白蓮花一般；而第三章叫作“海與風的對話”，情緒激越昂揚，可以稱得上是“咆哮的?！绷?。

德彪西的創作特點是善于呈現復雜的景象變化，所以對于初聽他的作品的聽眾而言，可能會覺得旋律怎么都是斷斷續續的？其實，這正是德彪西的特點：想象一下，大海就像是一位捉摸不透的少女，剛才還是陽光燦爛，倏忽就是狂風驟雨了，你怎么能夠用一種固定的旋律來描繪她的多變呢？不如就放空“旋律”的固有概念，跟隨作者的情緒起舞、感受作品的脈動。

中國的傳統民樂《彩云追月》②，從名字就可以看出，這是一首意境優美的作品，而作品的展開也的確如風輕云淡、月移影搖一樣，在不動聲色之間，優美的旋律慢慢引入……相信這樣的如夢如幻的仙境畫面，只有靠你的想象才會發生。然而，并非如此，有一次我確實目睹了這個畫面。那是一個皓月當空的秋夜，我站在陽臺上，見彩色的云霓追逐著明媚的滿月。那云是五彩的，大朵大朵，一會兒緊隨明月而逐，一會兒裹挾明月而嬉，或幽或明，或靜或動，一時間竟生出萬千氣象來！此刻，原先靜謐的夜空竟然仙樂繚繞，發散于周天之上。細細聽來，哦，那便是《彩云追月》！細細一想，那樂曲原來是從我心臆中發散而出的。

這是音樂鑒賞的一個境界，能置身于此境之中，是一種莫大的享受。

藝術作品，有些偏于寫實，易于把握；而有些空靈虛幻，回旋的空間較大，在那里，你可以盡情馳騁你想象的駿馬。

此外，鑒賞者的閱歷修養也很重要。辛棄疾被彈劾去職、閑居帶湖時作過一首詞，其中寫道：“少年不識愁滋味，愛上層樓。愛上層樓，為賦新詞強說愁。而今識盡愁滋味，欲說還休。欲說還休，卻道天涼好個秋?！边@反映了主體在不同階段對客觀外在的不同感受。

鑒賞主體總是在自己的生活經驗的基礎上去感受和理解藝術作品的。英國音樂學家柯克說：“我自己對莫扎特的大調作品的理解是：在童年時期，悅耳的音樂；青春時期，優美而典雅的，但不深刻的音樂；成年時期，優美而典雅的音樂，在其中貫穿著深刻而扣人心弦的情感在里邊。”鑒賞者的人生閱歷與知識積淀得越厚，對藝術的理解就越深刻。

唐代張彥遠這樣論及賞畫者的修養，“精通者所宜詳辨南北之妙跡、古今之名蹤，然后可以議乎畫”。當然，不可能要求鑒賞者都能夠遍覽名勝、歷盡滄桑，但盡可能多地豐富自己的生活，拓寬自己的見識，接觸不同的人物，對于藝術鑒賞肯定是會有幫助的。

近代山水畫大家黃賓虹，把畫作按照水平高低分為三類：“畫有初視者令人驚嘆，以其技能之精工，諦視而無天趣者，為下品；視而為佳，久視亦不覺可厭，是為中品；初視不甚佳，或竟不見佳，諦觀而其佳處為人所不能到，用筆天趣，非深明其旨者視若無睹，久視無不盡美，此為上品。”應該說，黃賓虹的上、中、下三品之謂，雖是論作品本身的優劣，而實際上也是對鑒賞力的一種衡量。

“八大山人”朱耷，就是一位調制“境界”的大師。他的繪畫尤善寫意，筆墨簡練而孤冷高潔，其作品向來被視為“省”的典范。

在朱耷筆下，一只寒鴉、一株海棠，只需寥寥數筆，便可形神畢肖。他往往只在畫幅上不到幾分之一的地方作畫，而那大片的留白，作者什么也沒說，但卻給后人無窮的解讀空間。

普桑是我欣賞的一位畫家。他的畫作往往具有多重的主題解讀，比如《阿卡迪亞的牧人》，就留給欣賞者以多種的想象和解讀，內涵豐富、耐人尋味。

我參加全國第十屆美展的那幅作品《昆侖月夜行》，就是采用了普桑的手法：雪峰巍然，明月高懸，一行疾馳的馬隊突然勒馬止步，為首的女性手指前方，似乎發現什么……他們要前往何方？為何急行于月夜？畫面充溢著騷動感，與寧靜的月夜形成強烈的反差，在帶有一絲神秘的色調中，游弋著不可名狀的困惑和新奇，叩擊著人的心靈，留有很大的想象空間，讓人們急欲尋求未知的答案。曾有畫家友人觀后說了自己對此畫的理解，可是又沒有把握，便問我它的主題是什么，我笑了笑回答——我也不知道，你想象什么就是什么吧！

藝術的境界的營造，在于創作者，也在于鑒賞者。“操千曲而后曉聲，觀千劍而后識器”，養成多看、多聽的習慣，日積月累，修養到一定階段，自然成為知音。

如何創造藝術鑒賞的條件和氛圍

2007年，《華盛頓郵報》做了一個“感知、品味和人的優先選擇”的社會實驗。其中發生這樣一件有趣的現象：

在地鐵站，一名男子在45分鐘內用小提琴演奏了巴赫的6首作品。這期間約有2000人從他身旁匆匆經過，只有6個人停下聽了一會兒，約20人在他前面地上所放的帽子投了錢，共計32美元。

這名男子是誰？

他就是當今世界最偉大的音樂家之一約夏·貝爾。他所用的小提琴價值350萬美元，他演奏的是世上最復雜最優美的樂曲。然而，在45分鐘內，他只得到可憐的32美元的施舍，更叫人不解的是，只有6個人賞光駐足聽了一會兒。

而就在前兩天，約夏·貝爾在波士頓一家劇院演出，聽眾趨之若鶩，一票難求，買一張票平均得花200美元。

這就是殘酷的現實。

為什么會有這么大的反差？《華盛頓郵報》在實驗結束后提出這樣幾個問題：一、在一個普通的環境下，在不適當的時間內，我們能夠感知到美嗎？二、如果能夠感知到的話，我們會停下來欣賞嗎？三、我們會在意料不到的情況下認可天才嗎？

那么，作為讀者，你怎么回答？

導致以上不可思議現象的原因，正是由于藝術鑒賞條件和氛圍的缺失。

的確，藝術鑒賞需要適當的條件和氛圍。只有當藝術鑒賞者進入到特定的欣賞境界，處于濃厚的藝術氤氳籠罩中，才能真切而自然地直抵藝術作品的靈魂。

專業藝術鑒賞場所，往往提供的是高水平的藝術作品，在特定情景內凝聚鑒賞者的注意力。鑒賞者身臨其境，隨著藝術作品展開，在藝術體驗、藝術審美中或與劇中人物同悲、同喜，鑒賞力得到充分的展開和發揮。

某些藝術形式的展示，如音樂會、話劇、戲劇等的演出，即使是同一劇目、同一演員，也是不可復制的，它的獨特性就是特定條件下產生的魅力。在演出時，演員在舞臺上投入地演出，鑒賞者在恰當的節點給予熱烈的回應，演員會因此更進一步迸發自身的演藝狀態，表演者和鑒賞者在互動中將審美推向高潮，藝術感悟得到了升華。可以說，在這種特定氛圍中，鑒賞者既在欣賞，也成為表演不可分割的一部分。

國家大劇院這樣的專業藝術場所，形成了一種集聚的效應，營造了一種藝術的“氣場”。演出的內容可謂雅俗皆有，既有世界頂級的演出，也有極富地方特色的劇目。每年上百萬的觀眾在其間欣賞藝術，藝術改變生活的故事每天都在這里發生。除此之外，人們還可以在國家大劇院的開放日里參加藝術講堂，聽取國內外各藝術領域的專家闡釋博大精深的藝術文化，這里成為藝術鑒賞的集聚地和輻射地。

此外，日常藝術氛圍的營造也很重要。人們常居、常行、常在的地方，也需要營造藝術的氛圍。這包括設置于社會活動場所的公共藝術，以及人們的私居藝術。

到過巴黎的人，都會有一個很深的感受，那里處處都彌漫著藝術的氣息。不用說巴黎圣母院、盧浮宮、凱旋門、埃菲爾鐵塔這樣重要的城市建筑，巴黎整座城市就是一個龐大而豐富的藝術博物館。它幾乎完整地保留了中世紀以來每一個街區的布局，充滿著藝術感。巴黎街頭、公園矗立著大大小小充滿文化意蘊的雕塑，隨處可見的支起畫板作畫的畫家、街頭藝人，充滿詩意、幽默、想象力的行為藝術……千姿百態的藝術展示、藝術演出。巴黎是一個名副其實的藝術之都。

朱自清先生就曾在《歐游雜記》里寫道：“巴黎人誰身上大概都長著一兩根雅骨吧。你瞧公園里，大街上，有的是噴水，有的是雕像，博物院處處是，展覽會常常開；他們幾乎像呼吸空氣一樣呼吸著藝術氣，自然而然就雅起來了?！边@種“雅”，既包含文化修養，自然也包含文化鑒賞。

地鐵，是人流最多的地方，也是營造藝術氛圍絕好的地方。始建于20世紀30年代的莫斯科地鐵，其構造之宏偉、風格之多元，裝飾之華美，直到今天都讓人過目不忘。據說，幾乎是每個地鐵站，都由獨立的團隊參加設計、有其獨一無二的藝術風格，置身其間，往往猶如置身于博物館一般。

莫斯科地鐵3號線基輔站大廳，典雅的愛奧尼式石柱，巨幅馬賽克裝飾壁畫，不是畫廊勝似畫廊。作為莫斯科地鐵代表作的馬雅可夫斯基站，由于其富麗堂皇的裝飾和精巧的材質搭配，更是被譽為“地下宮殿”，其設計獲得過1939年紐約世界博覽會的金獎。不只是地鐵車站，如日本的“紫藤隧道”、烏克蘭“愛的隧道”，都充滿了想象力和藝術魅力。

隨著中國經濟的發展，城市建設者在建筑、地鐵、機場、公園，甚至商場設計和建設中都加入了藝術的元素。北京中關村站屋頂采用模仿電路板圖案的吊頂，顯示該地域高新技術發達的特點；平安里站立柱上用馬賽克拼出了抽象京劇臉譜，呼應附近的國家京劇院。地鐵4號線上，有8座重點車站的站廳布置了大面積的文化墻，強烈突出了當地的文化特色。西苑站設有主題壁畫《頤和園萬壽山圖》，以簡潔的線條，勾勒出頤和園山水草木、亭臺樓閣的輪廓，展現頤和園的風貌。圓明園站墻壁上設有大水法的遠景浮雕，而站臺的立柱則被裝飾成殘缺的形狀，講述圓明園自建園至第二次鴉片戰爭被毀的歷史。

地鐵人流涌動，本是個嘈雜擁擠的地方。這些藝術氛圍的營造，讓人們不知不覺地浸潤在藝術之中而受到熏陶和感染。

此外，北京、上海等許多城市的咖啡館和酒吧，也是別具特色的。那里有中國書畫、西洋畫、工藝裝飾畫、有攝影作品、壁掛、鏡飾等，再加上曼妙輕柔的音樂，人們于小憩之中，感受著藝術的滋養……

對于個人而言，居家和辦公場所的藝術裝飾也越來越成為潮流。墻壁上的裝飾畫，書架上的工藝品，窗臺上的插花，書桌上的擺件……都體現著主人的藝術水準和文化修養。

還有虛擬空間的藝術鑒賞。2010年前后，谷歌開設了網上博物館。當時，用戶可以在網上欣賞到40個國家的150多座博物館和美術館。你可以足不出戶，在一天或者幾個小時內，游遍100多座博物館和美術館。

隨著互聯網的發達，虛擬博物館、虛擬音樂廳、虛擬展覽館等大量地涌現，讓喜愛藝術的人以極低的成本、方便的時間滿足藝術鑒賞的需求。比如，憑借移動互聯網終端，雙手隨著琴鍵LED燈光閃現，便可以彈奏出鋼琴曲，實現快速入門。這就使高雅音樂平民化了。

與傳統的藝術鑒賞相比，虛擬空間的藝術鑒賞，具有自身的優勢。首先，它具有欣賞的便利性。試想，如果我們去看一場話劇，聽一場音樂會，你不但要有錢，還得有閑。對于不少收入有限、工作比較繁忙的人而言，這可能只是偶爾為之的奢侈消費。網上的藝術鑒賞，就突破了這種局限，它只需要支付很少的流量費用，也可以選擇自己有空的時間來進行藝術鑒賞。歌劇院看歌劇，是一次性消費，如果你對某一藝術作品感興趣，可以在網上重復鑒賞。虛擬空間的藝術鑒賞，大大推動了藝術鑒賞的普及。當然，這種便利也容易讓鑒賞變成瀏覽，降低鑒賞的品質。

移動互聯網的普及，使得人們可以隨時隨地根據自己喜好進行藝術鑒賞，時間、空間的阻隔，不再成為人們交流的障礙。虛擬的環境有著無窮的容量，內容豐富無限，而且不斷更新。這種豐富性，也容易讓你眼花繚亂，陷入海量信息中而失去正確或合理的選擇。

與傳統的鑒賞相比，虛擬空間藝術鑒賞的真實性、感染力和愉悅度不如前者強烈，也有許多人不適應屏幕閱讀的方式。虛擬空間的鑒賞不可能取代傳統意義上的鑒賞。它只是鑒賞的一種方式和有益的補充。

在科技高度發達的今天，隨著人們鑒賞方式和習慣的改變，需要把虛擬空間的鑒賞與傳統方式鑒賞有機結合起來。充分發揮兩者各自的優勢，為鑒賞提供更加便捷的條件和良好的氛圍。