王潔之《繪畫與攝影》

《飛鷹》，1936年第6期

版本情況

該文發表于《飛鷹》1936年第6期。與1923年創刊的《攝影畫報》、1931年創刊的《中華攝影雜志》等相比，《飛鷹》雜志作為攝影專業刊物并不是最早的，且由于國難當頭，新生的《飛鷹》雜志僅出版了19期，第20期編輯付梓后還未發行即毀于戰火。《飛鷹》雜志也沒有副刊，取而代之的是1946年新創刊的《中國攝影》雜志。然而在中國近現代攝影學術史上，《飛鷹》雜志仍然占有不可忽視的重要地位。雜志主編為攝影家金石聲，內容以攝影作品為主，兼有攝影技術講座和攝影器材廣告。《飛鷹》代表了當時中國攝影界的高度，是研究民國攝影史的珍貴資料。

作者簡介

王潔之，攝影家和攝影理論家。1935年春，王潔之與姚少滄、周兆豐等人發起組織南京影社，社員30多人，社址設在估衣廊美利生照相館。拍攝了不少關于當時文化界活動的照片，如田漢、陽翰笙、歐陽予倩等的中國舞臺協會，以及馬彥祥、曹禺等的聯合劇社演出的成套照片，許多都是王潔之（署名陳酒）和姚少滄拍攝的。南京影社的成員有國民政府的官吏、攝影工作者和業余愛好者，他們曾編輯過《南晚畫報》作為《南京晚報》的每周附刊，參加過第二次全國美展，也籌備過影展，終因抗戰爆發而未能辦成。l936年，王潔之進一步拓展了沈新三的攝影瞬間理論，提出了“至美瞬間”說——“攝影創作要在對象的變化的數千萬個一剎那中，取其最美的一剎那” 。

繪畫與攝影

王潔之

近來各個美術展覽會中，常特設了一個攝影部，將許多攝影作品放在會中展覽，很可以見得辦理藝術展覽會的諸位先生，對于攝影已經有深切的注意了。這是值得慶幸的，但不是替“攝影”的前途慶幸，而是替整個的“美術”慶幸。因為在美術界里又多添了一條開拓“美”的道路，這條道路已深切的為人所注意了。

在有形的美術中，雕刻、建筑、工藝都是立體的，繪畫、書法、攝影是平面的。書法是繪畫的脫胎，雖然現在已進展到專門部分去，但在平面的“有形美術”中可以相提并論的，莫過于繪畫與攝影了。

以往一般人往往輕視攝影，連畫家們常常以為自己的畫筆，放到天平上去稱，總比較攝影家的攝影機重。更攻擊照相館中的照相師的設計，如拍攝一個人物的時候，其前面放一盆花和一只小洋狗，左邊放一個茶幾，茶幾上置一把茶壺與一個茶杯，右手一個水煙管，恭恭敬敬的坐著，如此的照相哪里能美呢？然則畫家們確沒有看到上海城隍廟里的畫肖像者，正同上述的照相師一班丑劣。至于說攝影技術容易，一瞬間就攝成一張照，三分鐘即可學的這套把戲，沒有繪畫的珍貴，不足與繪畫稱道。其實這都是沒有嘗試過攝影味道的人所言，我們也可以說繪畫是一件極易的事，三歲的小孩子都高興在紙上繪畫，不過其所繪者不成東西而已。我有一個朋友是畫家，他對于攝影感到興趣了，置備一架攝影機，曾學習了兩年拍過三百多張片子，其對于曝光（Exposure）和景深（Depth of Focus），尚不能達到別人對他絕對原諒的正確程度，他的“攝影容易”的美夢方才打破。“取景”與“結構”的美化更不必說起。

繪畫的優點，是能采取各種連續景物中的最美部分，如畫家畫一個運動員跳高的姿勢，在許多連續的跳高姿勢中，他能采取最優美的姿勢把它畫下來。這種本能攝影家也是具有的，不過兩者所用的工具不同罷了，畫家的工具是畫筆，攝影家的工具是攝影機。

畫家常以“寫意”與“筆調”兩者為“繪畫”中的最可持的價值，但在現實進化的“攝影”也具有這類能力，例如一個極無意義的負片（Negative Film），我們可以在其上加施手術之后，即變成很有意義的攝影，更可舉一個明顯的實例來講，如我們拍攝了一幅鳥類照，這幅鳥類照里有一群黑烏鴉，我們若在他的負片上，在每只烏鴉翼翅上，加以黑點，其所成的攝影作品即變成了極理想的一種鳥類，這不是“寫意”嗎？攝影作品中“寫意”的方法不止一種，其中除了原來景物“奇妙的設計”和“底片的修改”外，尚有“疊印”、“浮雕”、“正底的翻印”等等，各人有各人別出心裁，完成與原來景物的寫實態完全不同，以趨“寫意的美”。

“繪畫”上有“筆調”的特性，“攝影”上也有“光調”的特性，這種“光調”也以各人技藝的不同而異。如同是一支梅花上，攝影家甲在日光底下，用硬性的鏡頭拍照，并且他欲照的清楚范圍很大；攝影家乙在電筒底下，用柔性鏡頭拍照，并且他欲照的清楚范圍很小，這兩者所攝的對象同一，而所生結果則異，其結果相異的原因，乃是甲與乙的“光調”不同，正與米蘭和賽尚痕的“筆調”不同是一樣。那末“光調”的不同，當然非上面的一例可以說明，單就“景深”來講，有喜歡“賓主均明”，有喜歡“賓暗主明”；單就“輪廓的性質”來講，有喜歡“硬性”，有喜歡“柔性”，有喜歡“中性”；單就“光源”來講，有喜歡“日光”，有喜歡“電光”，有喜歡“鎂光”，更有喜歡“放射線”等，以許多條件復雜的湊合中，各人的“光調”也隨其見地而不同了。因之攝影上的“光調”適等于繪畫上的“筆調”。

總之，有了“攝影”并不抹殺“繪畫”的價值，但“攝影”所具有的價值，也非比“繪畫”低微。這兩者是“殊途而同歸”的東西，這正是兩條平行的、一般長短的、一樣闊狹，而同趨向“美”的目標為依歸的大道。

研讀

20世紀30年代，攝影已經是一種藝術的重要表現形式了。攝影與繪畫雖然是不同的視覺載體，但二者之間有著千絲萬縷的聯系與密不可分的關系，所以，作者提出，在“有形美術”中可以相提并論的非繪畫與攝影莫屬。

在文章一開頭，作者就提到了一個令人慶幸的現象——在近來的各美術展覽中增設了攝影部，將許多攝影作品放在展覽會中進行展覽，可以看出舉辦藝術展覽的部門對攝影的關注與重視，這是值得慶幸的。這不是為攝影的前途慶幸而是為整個的美術慶幸，因為在美術界里面又多了一條開拓美的道路，這條道路已深切地為人所注意了。作者所處的30年代，攝影藝術領域已達到了一個較為繁榮的局面，也是中國攝影藝術史上的第一次高潮。但攝影藝術還是一個年輕的藝術門類，人們對攝影的認識一直有很多的誤讀，人們往往很輕視攝影，尤其是畫家，也認為手中的畫筆比攝影家手中的照相機重。因此，在文中作者努力為攝影正名。他一一反駁了畫家對攝影的種種誤讀，并以攝影的“光調”與繪畫的“筆調”相比較。但是，作者的“光調”說仍并沒有跳出繪畫評論的套路，仍舊是以繪畫評論的思維來評論攝影。同樣是二維藝術，但繪畫已經存在了上千年，而攝影在當時也不過百年時間，攝影從最初的模仿繪畫到希望和繪畫拉開距離，一直在為其身份的定位而糾結。相機的發明原本是為上流社會設計的把玩的東西，誰曾想攝影術很快就被廣泛用于“警察建檔、戰爭報道、軍事偵察、色情文學、百科全書的制作、家庭相冊、明信片、人類學記錄、情感教化、調查偵察，攝影也被用來制作美學效果、新聞報道及正式的人像。”這是英國批評家伯格對攝影術起初的功用所作的總結。而到了今天，人們日常生活中最普遍的文化行為并不是繪畫，而是攝影。盡管作者以“3歲的小孩子都高興在紙上作畫”來證明攝影難于繪畫，從技術角度來說明制作一幅照片的技術的確要比畫畫難，但是，關于這一點畫家們一定又會持不同的觀點，而這就像是一個永遠沒有正確答案的難題。或者我們可以舉這樣一個反例：當年認為攝影術比繪畫簡單的人也許不曾想到，作者所處的時代遺留下來的“老照片”在今天受到人們廣泛熱捧，這就足以很好地解釋攝影的魅力了。